какое качество должно быть у композитора чтобы сочинить хорошую музыку
5 методов, как сочинять музыку
У меня нет традиционной музыкальной школы (6 лет на пианино), но я закончил 2 года Рок-лицея в ДК «Красный Химик», прослушав класс по основам сольфеджио и отучившись у двух преподавателей по классу гитары.
Примерно с 14 лет я начал играть в группах, и продолжаю это делать до сих пор, сейчас мне уже «более чем за 30», и можно смело сказать, что музыкой я занимаюсь больше чем половина жизни. При этом я не профессиональный музыкант, я работаю в ИТ, и музыка, моё хобби. Я выступал с разными группами на концертах в маленьких клубах («Свалка», «Китайский Лётчик Джао-Да», «Молоко», и больших музыкальных фестивалях «Нашествие», «Мотоярославец».
С самого начала занятия музыкой я решил для себя, что буду сочинять собственные музыкальные произведения, и не будут играть чужие песни. Не могу сказать почему я так решил, но факт остаётся фактом.
За много лет общения с теми, кто играет и сочиняет музыку, основной болью является то, как сочинять свою собственную «авторскую» музыку. Я выделил 5 методов или способов, как сочинять музыку.
Состояние при котором мелодия рождается у вас в голове, и вы просто переносите музыкальное произведение «на бумагу». Ваш «внутренний» голос сам «всё делает» за вас, нужно только поймать это состояние и запомнить полученный результат. Очень удобно, вам кажется что мелодия приходит к вам «из вне», или из таких глубин подсознания, что в обычном состоянии, туда добраться не возможно. Кажется удивительным, что такую мелодию мог сочинить именно ты, так как в обычной жизни подобное кажется нереальным.
Из минусов отметим то, что вдохновение «капризно» и может подолгу не посещать вас. Особенно пугливым бывает вдохновение, когда сроки поджимают, а нужно выдать результат.
Также возможен вред причиненный здоровью, при попытках «стимулировать» вдохновение, которое к сожалению стимулировать невозможно.
Вы профессионал и просто «пишите» композицию по всем правилам создания музыки, опираясь на стилистические «жанровые» особенности. Это профессиональный подход на основе знаний, получившейся результат может быть не очень интересен с точки зрения искусства в целом, но зато это эффективный способ создания творческой продукции.
Вся популярная музыка использует этот метод, так как он наиболее предсказуем и понятен в попытках завоевать симпатию конечного слушателя. Но несмотря на это, доля непредсказуемости все равно остаётся даже при использовании этого метода, так как нельзя на 100% предугадать что «зайдёт» слушателю, а что нет.
Способ, когда вы берёте за основу чужую композицию и имитируете её с небольшими отличиями «особенностями», настолько существенными, что бы ваша композиция уже не напоминала оригинал, которым вы были «вдохновлены». До некоторой степени копируется звук, музыкальная форма и настроение.
Автор «сочинитель» берёт композицию «пример», пропускает её через свои «мозги» и выдаёт новую «авторскую» версию оригинала. Есть мнение, что таким способом придумывается всё, так как ничего нового уже придумать не возможно, а возможны только «вариации на тему». Автор в данном случае просто адаптирует идею согласно местным особенностям и предпочтениям.
Метод, в котором сочетается знание основ музыкальной композиции, владение определимым музыкальным жанром и умение использовать приборы и программы, генерирующие в случайном порядке ноты, создавая таким образом мелодии и звуковую палитру, из которой и собирается будущая музыкальная композиция.
Данный метод больше всего использует звуковой дизайн (саунд-дизайн) и чаще используется при создании музыкальных композиций в электронной музыке. Метод случайного поиска, проб и бесчисленных вариаций. Надо отметить, что при кажущейся механизации и роботизации процесса сочинения, до сих никакой Искусственный Интеллект не смог написать сам что то более менее стоящее, используя данный метод, то ест роль автора все равно остаётся центральной.
Советы начинающему композитору
Статья изначально была опубликована на DTF.RU, но со временем она ушла в архив и стала недоступной для большинства пользователей, тем временем я уже не раз получила благодарственные письма, с просьбой выслать материал.
I. Экспозиция
Статья в сонатной форме, так что не ищите тайного умысла в названиях разделов. Идея написать статью возникла неслучайно — в последнее время ко мне за советом часто обращаются начинающие музыканты. Как правило, задаются одни и те же вопросы: как вам моя музыка, смогу ли я работать композитором в игровой индустрии и что мне необходимо для этого?
В свою очередь, хочу сказать, что три года назад один человек очень помог мне дельным советом, и поэтому сейчас я чувствую некую ответственность, и хочу поделиться своими мыслями с начинающими. А чтобы не отвечать каждому в отдельности, тратя драгоценное рабочее время, я и пишу эту статью. Все мои наблюдения строятся лишь на основании личного опыта, поэтому если что-то не так, и я где-то заблуждаюсь, не стесняйтесь — высказывайтесь и дополняйте.
Сперва немного расскажу о себе и том, как я попала в геймдев. Я являюсь профессиональным музыкантом. С 2006 года работаю в игровой индустрии в качестве композитора. Идейный руководитель и исполнитель (в одном лице) студии Martamusic.
После окончания университета я работала концертмейстером в музыкальной школе. И вот однажды к моему другу-программисту обратилась омская команда разработчиков (Studio DVA), которые искали человека, готового безвозмездно написать саундтрек к их первому игровому проекту — «CheПаю». Друг, соответственно, предложил попробовать это сделать.
Так все и началось. Я приняла предложение, так как импровизировать на фортепиано я всегда любила, а тут еще и моя музыка будет звучать в игре, и разработчики обещают славу! Была, правда, одна заминка: на тот момент я не представляла всей сложности работы с компьютерными музыкальными программами, необходимыми для создания конечного продукта. Но решила, что с работой как в драке: главное — ввязаться, а там видно будет. Проект был долгосрочным, и я начала потихоньку осваивать эту науку. Спустя какое-то время музыка была написана во встроенном секвенсоре моего синтезатора. Обещанной мне известности после выхода проекта конечно же не случилось, но отзывы о музыке в ряде профильных СМИ, таких как «Игромания», AG.ru, были положительными, что и подстегнуло меня к дальнейшим действиям.
Итак, вы начинающий композитор (или себя таковым считаете), пишете музыку, вам и вашим друзьям она, несомненно, очень нравится, и вы решаете, что ее обязательно должен услышать мир. А еще лучше, если она будет звучать в игре!
Таким образом, вы отправляетесь на поиски проекта. От себя хочу заметить: не стоит сразу замахиваться на большие проекты, все равно получить заказ для крупного коммерческого продукта начинающему практически нереально. Поэтому попытайте счастье с начинающими разработчиками.
В модельном бизнесе есть такое понятие time for print, когда начинающие специалисты объединяются и организовывают съемку, а вместо оплаты каждый участник получает расчет фотографиями. В этом есть свой здравый смысл. Я сама работала с несколькими молодыми командами, треки для которых писались за символическую сумму или вовсе бесплатно. Я получала опыт, а некоммерческий проект был «осчастливлен» моей музыкой. Были случаи, когда через какое-то время та же самая команда обращалась ко мне уже с более выгодным коммерческим предложением.
Если вы заинтересованы в том, чтобы у вас была хорошая репутация, качественные работы, которые потом не стыдно будет показать, то не жалейте в этот период ни сил, ни времени. Тем не менее, в такой ситуации я бы не советовала бросать свое старое дело, приносящее вам доход, и с головой окунаться в мир музыки. На мой взгляд, все должно происходить постепенно, и со временем более важные вещи вытеснят второстепенные, мешающие полной самоотдаче любимому делу.
Но вернемся к поискам работы. Предположим, вы нашли объявление о поиске музыканта и решили отправить свое резюме. Несколько советов, как это сделать:
1. Не отсылайте универсальное письмо сразу нескольким компаниям, когда будете рассылать письма с предложением о сотрудничестве. Обращайтесь конкретно к каждому.
2. Пишите о себе честно. Доверие трудно завоевать, но очень легко потерять. Не стоит, на мой взгляд, составлять описания всех тех программ, названия которых вы когда-либо слышали в своей жизни. Ограничьтесь тем главным, что непосредственно касается вашей деятельности, то есть музыки.
3. Если разработчик игры просит указывать определенную тему письма, не игнорируйте его пожелание. Может случиться, что у вашего получателя стоит фильтр на входящую почту, который автоматически удаляет письма, не отвечающие указанным параметрам.
4. Не посылайте в аттаче письма свои треки. Лучше в теле письма оставлять ссылки, ведущие на примеры ваших работ — если вами заинтересуются, то обязательно посмотрят. Если у вас нет возможности создать свою интернет-страничку, то можно использовать специальные ресурсы — MySpace, RealMusic и подобные.
5. Покажите свою заинтересованность проектом.
6. Подбирайте примеры своих работ обдуманно. К примеру, вы знаете, что на данный момент компания работает над шутером, и какой бы великолепной ни была ваша медленная лирическая композиция, ее в данном случае могут не оценить. Если же подходящего трека в вашем арсенале пока нет, я бы посоветовала чередовать произведения на вашей страничке по контрастности. Чтобы заказчик, прослушав первые две-три композиции одного настроения, с одними и теми же сэмплами, не сделал поспешных выводов о том, что вся ваша музыка однообразная. Помните, ваша страничка должная представлять вас наиболее выигрышным образом.
Если же все ваши попытки найти работу не увенчались успехом — не расстраивайтесь, постарайтесь разобраться, в чем дело, и что не так?
II. Разработка
Причин может быть несколько:
1. Ваша музыка не соответствует запросам индустрии.
Вы любите писать, скажем, чувственные пьески, песенки для души или же бойкую танцевальную музыку. Но, изучив рынок, вы должны будете понять, что музыка здесь носит скорее прикладной характер, т. е. призвана усиливать образ, подчеркивать происходящее на экране, вызывать у игрока определенные чувства. Подумайте и честно ответьте себе — сможете ли вы творить в этом случае?
2. Ваша музыка в сравнении с хитами игровой музыки звучит блекло, непрофессионально.
С развитием компьютерных технологий и интернета писать треки, кажется, может каждый — не надо знать нот, можно не уметь играть, даже наличие слуха необязательно. Но каков при этом получается результат?
Новички предпочитают видеть корень своих проблем не столько в себе, не в своем музыкальном невежестве, сколько во внешних факторах — не та аппаратура, не те сэмплы, не тот секвенсор и т.д. Так начинается бесконечная погоня за новыми технологиями, за «фирменным» звучанием, в итоге время тратится не на развитие себя как музыканта, а на вещи, которые, в свою очередь, тоже очень важны, но не первостепенны. Попытайтесь не зацикливаться на этом.
Что же необходимо для саморазвития и достижения поставленной цели? Приведу фрагмент письма Чайковского к своей сестре:
«… Я боюсь только за бесхарактерность, пожалуй, лень возьмет свое, и я не выдержу; если же напротив, то обещаюсь тебе сделаться чем-нибудь. Ты знаешь, что во мне есть силы и способности, но я болен той болезнью, которая называется обломовщиною, и если я не восторжествую над нею, то, конечно, легко могу погибнуть. К счастью, время еще не совсем ушло. »
К счастью, Чайковский нашел в себе силы и поступил в Петербургскую консерваторию, и за несколько лет упорного труда стал всесторонне образованным музыкантом, а впоследствии и великим композитором.
Итак, вот что вам понадобится.
1. Сильное желание научиться.
2. Критичное отношение к своему творчеству. Как только вы решаете, что у вас все «ок» — это конец вашего роста.
3. Нужно слушать, слушать и еще раз слушать много хорошей и разной музыки. Расширяйте свой музыкальный кругозор.
4. Изучайте гармонию, оркестровку, инструментоведение. И это не обязательно должно быть чтение толстых учебников. Подойдите к процессу творчески, найдите свой путь, так, чтобы вам было интересно.
Для тех, у кого отсутствуют базовые знания гармонии, я бы порекомендовала неплохой ресурс в интернете — музыкальный колледж «7 нот». В разделе гармонии материал излагается автором в очень доступной форме, с юмором и аллегориями, и, что немаловажно, содержит музыкальные примеры в MIDI.
Если вы пишите оркестровую музыку, то ознакомьтесь с инструментоведением. Невозможно прилично написать партию для скрипичных или духовых, не зная природы звукоизвлечения этих инструментов, их штрихов, тембральных возможностей. Из-за незнания возникают такие распространенные ошибки как бездыханная партия духового инструмента на протяжении 20 тактов, когда реальный исполнитель давно бы задохнулся от недостатка воздуха в легких, или использование инструментов симфонического оркестра не в своих регистрах, и так далее.
У меня в училище этот предмет вел дирижер музыкального театра. Он мог бы сухо излагать материал, но выбрал более интересный и эффективный способ, а именно: он всякий раз приглашал на лекцию одного из своих оркестрантов. Те рассказывали о технике исполнения, демонстрировали свою игру и даже давали попробовать поиграть желающим. К слову сказать, тогда я поняла, почему редко встречаются девушки, играющие на контрабасе, валторне, тромбоне и тубе.
Попробуйте действовать тем же способом, отыщите друзей-знакомых, которые будут не прочь провести мастер-класс, возьмите у них пару уроков. Иллюстрацией к учебнику может послужить и подборка видео на YouTube.
5. Анализируйте музыкальные произведения.
Хотела бы упомянуть еще один ресурс, который мне очень нравится. Это форум rmm, и в частности раздел «Оркестровая музыка». В данном топике автор приводит подборку классических произведений, с которыми стоит непременно ознакомиться (партитуры располагаются по принципу «от простого к сложному»). Здесь же даны рекомендации, как изучать.
Для тех людей, кто не владеет нотной грамотой, я бы рекомендовала загружать MIDI-композиции в секвенсор, и, одновременно с аудио записью изучать их в пьяно ролле. Вот некоторые сайты, на которых можно скачать произведения классики (и не только): www.kunstderfuge.com, www.midi-karaoke.info, www.midi.ru.
Также в учебных целях можно использовать программу Band-in-a-Box, которая содержит «строительный материал» для разных жанров музыки. Она позволяет посмотреть, из каких кирпичиков строится музыкальная «ткань» в том или ином случае.
6. Не бойтесь подражать.
Здесь я не имею в виду прямой плагиат, а лишь косвенный переем приемов. Если проанализировать музыку классиков, каким бы ярким и самобытным ни казался нам талант того или иного гения, все они в ранний период своего творчества копировали предшественников. И лишь когда был заложен приличный фундамент, шло формирование своего видения, почерка, стиля.
Хотелось бы подробнее остановиться еще на таком моменте, как перенятие опыта с успешных игровых продуктов, а также отметить важность референсов.
Когда я начинаю работать с заказчиком, я первым делом прошу его высказать пожелания по поводу стиля, привести примеры музыкальных композиций, которые, на его взгляд, удачно подошли бы к проекту. Обычно получаю очень расплывчатые ответы или что-то типа «мы всецело доверяем вашему вкусу». Тогда я сама начинаю задавать наводящие вопросы, приводить музыку из игр, кино, классики и т.д. В процессе обсуждения, как правило, выясняется направление, в котором нужно двигаться. Если вам для вдохновения предлагаются только скрины, можно спросить у разработчика о прототипах его продукта. Если будущая игра не отличается особой оригинальностью, поиграв в прототипы, вы, скорее всего, будете знать, чего от вас ждут. Останется только привнести свое «креативное видение», чтобы будущая игра в плане музыки была еще лучше и интересней.
Если этого не сделать, то может получиться так, что ваша дальнейшая работа будет походить на «блуждание в потемках». Ваши наброски будут «незаслуженно» отвергнуты, и вам даже не смогут толком объяснить, почему. А учитывая, что время на создание саундтрека бывает весьма ограниченным, то, в конечном счете, недопонимание и напряжение могут нежелательным образом сказаться на самой музыке.
Бывает и наоборот, когда сам разработчик дает референс и просит сделать похожее. К примеру, одна команда обратилась ко мне с просьбой сочинить музыку, похожую на тему из «Гарри Поттера», но, разумеется, так, чтобы это не было плагиатом, а лишь создавало нужное настроение. Прослушав и проанализировав мелодию, я выявила ряд отличительных особенностей в гармонии и инструментовке, и применив те же приемы сочинила свою.
В итоге заказчик остался доволен. А у меня не ушло много времени на творческие поиски. Такой подход во многом облегчает задачу музыканту, поскольку обе стороны точно знают, чего хотят.
7. Если вы не владеете ни одним музыкальным инструментом — научитесь.
Многие почему-то считают, что овладеть инструментом можно лишь в раннем детстве. Разумеется, это верное утверждение, если речь идет о воспитании профессионального исполнителя. Но в истории композиции есть примеры, доказывающие, что композитору это никогда не поздно.
Почитайте биографию Арама Хачатуряна. Рассказывали, что в 19 лет, после переезда в Москву, он увидел стоящую в углу виолончель и сказал, что хочет обучаться игре на «этой большой скрипке». Несмотря на отсутствие элементарной подготовки, но при наличии хорошего слуха и большого желания Хачатурян был принят в «Гнесинку».
Я часто слышу: «А зачем мне это нужно, я и карандашиком превосходно нарисую или натыкаю партию одним пальцем в секвенсоре!». Может оно и так, но умея играть, вы напишите музыкальную фразу куда быстрее, при этом она будет куда естественней. Я уже не говорю об искусстве импровизации. Бах, Моцарт, Лист, Шопен, Рахманинов и другие — все они были выдающимися исполнителями. Боюсь, не владей они техникой игры, творчество их было бы куда скуднее.
8. Изучайте основы звукорежиссуры.
Учебных материалов, статей, посвященных сведению и мастерингу, в интернете более чем достаточно. Общайтесь с людьми, «подсматривайте» их рецепты, экспериментируйте со звуком. Ведь, в конечном счете, весь процесс создания музыки ложится на ваши плечи. Вам предстоит совместить должности композитора, исполнителя, звукорежиссера. И звукорежиссерская работа будет занимать отнюдь не последнее место.
Наконец, запомните: одна лишь теория, не подкрепленная практикой, не даст вам никаких результатов.
III. Реприза
(или возвращаемся к тому с чего начали)
Итак, поскольку никакими временными рамками вы не ограничены, то постарайтесь сделать ваши демо-треки максимально близкими к идеальным и нацеленными на свою аудиторию. Во-первых, если треки получатся интересными, это привлечет к вашему творчеству внимание первых клиентов. Во-вторых, все написанные мной когда-либо демки рано или поздно находили свои проекты.
Старайтесь время от времени пополнять страничку новыми работами, даже если вам кажется, что треков на ней достаточно, не бойтесь увеличивать их количество. Заказчик каждый раз ищет чего-то нового. И зайдя на вашу страничку вновь через какое-то время и обнаружив все те же пару релизов, тут же ее закроет.
Конечно, рамки одной статьи не позволяют раскрыть всех проблем, но, думаю, все выше написанное послужит для вас толчком или хотя бы заставит задуматься.
IV. Кода
Те, кто пробовал свои силы в написании музыки, знают, какой это нелегкий труд. Да, порой музыка сама приходит к композитору, но потом, как правило, идея отшлифовывается часами кропотливой работы. Так что выражение «гений — это 99% труда и только 1% таланта» очень актуально в музыкальном деле.
Наконец, самое главное: нужно поверить в себя, и если вы действительно любите свое дело, то у вас несомненно все получится!
Привет Пикабу! Сегодня на повестке дня сочинение музыки. Этот вопрос довольно плохо освящается профессиональными музыкантами, берегут свои секреты, наверное =) Но из интервью, личного общения и собственного опыта могу вам кое-что рассказать. К сожалению, процент собственного опыта и мыслей в этой части будет максимальным, информации действительно мало, но, надеюсь, вам будет интересно.
Как же пишется музыка?
Иногда в начале пишутся слова, а затем уже вокальная мелодия. Это позволяет поэту чувствовать себя свободнее, но ограничивает дальнейшую работу с музыкальной партией. Если композитор будет небрежен, получится классический «эффект русского рока», при котором стихотворная форма настолько преобладает над музыкальной, что мелодия становится слишком предсказуемой.
Зачастую, музыку пишет один человек, или пара. Остальные музыканты лишь исполняют ее. Они могут вносить свои поправки в аранжировку, чтобы сделать партии более удобными, да и две головы лучше, чем одна. Но полноценное коллективное творчество редко приносит хорошие плоды, хотя у кого как, наверное. Сложно заставить 4-5 человек думать в одном направлении и не мешать друг другу. Этим могут похвастаться разве что старые коллективы, созданные во времена, когда импровизация играла куда большую роль в музыкальном мире.
Строение песни может быть любым, но есть несколько заслуженных рецептов радио-хитов. Вот пример:
Интро – куплет 1– припев – куплет2 – припев – мост – припев –оутро
Господи, сколько же песен написано в таком ключе… Вы их слышите каждый день, и у большинства строение одинаковое.
Возможно небольшие видоизменения. Интро и оутро зачастую опускается, либо звучит совсем непродолжительное время. Длительность куплетов тоже может разниться. Например, куплет 1 может быть больше в два раза, чем куплет 2. Куплеты, как правило, немного задавлены и повествуют о чем-то. Припев наоборот, яркий и запоминающийся, с сильной вокальной мелодией. Мост всегда некое видоизменение основной темы. Часто туда ставят соло. Вот несколько песен, сочиненных по такой схеме:
Bon Jovi – It’s My Life
Michael Jackson – Billie Jean
The Offspring – The Kids Aren’t Alright
Slipknot – Before I Forget
Кстати о ярких и запоминающихся мелодиях. Такие мелодии у композиторов называются «хуками». Они создаются специально, чтобы въедаться в подкорку вашего головного мозга. И если вы не можете заснуть, в очередной раз напевая «мокренькую кисоньку», знайте – это проделки композитора.
Поговорим немного о проблемах, с которыми сталкивается композитор. Как вы, наверное, заметили, рекордсменом по бурению мозгов являются именно детские песенки (привет молодым родителям!). Они очень просты, предсказуемы, а, значит, легко запоминаются. Но они неприятны для взрослых людей. Дети еще слишком мало слышали музыки, поэтому для них это в самый раз. Взрослый же будет страдать, так как сама мелодия удовольствия никакого не доставляет, но и из головы никак не хочет уходить. Поэтому основная задача создателя хуков – придумать достаточно простую мелодию, чтобы она запомнилась, но достаточно сложную, чтобы тебя не забили совочком в подворотне отчаявшиеся родители.
Это, пожалуй, основная задача композитора – сбалансировать ожидаемое и неожиданное в музыке. Слишком много неожиданного – слушатель потеряется и заскучает. Слишком мало – ну, вы поняли И все бы ничего, но для композитора ожидаемое и неожиданное работает не так, как для слушателя. Во время написания музыки ухо настолько привыкает к тому, что слышит, что даже самая сложная композиция кажется не сложнее детской песенки. Автор субъективен и эта субъективность мешает творить с расчетом на публику. Так рождаются монструозные произведения, которые в итоге могут слушать только самые отъявленные наркоманы меломаны. Путь композитора – это путь от примитивного к простому. И лежит он, зачастую, через сложное.
Стоить отметить еще одну важную особенность, а, точнее, требование. Музыка должна быть уникальна. Она не должна дублировать что-то созданное ранее, иначе какой в ней смысл? Зачем идти на концерт клона группы “Rammstein”, если я могу сходить на самих “Rammstein”? Причиной такой уникальности зачастую является некая социальная подоплека.
Для «Metallica», например, такой подоплекой стал протест против глэма, заполонившего сцены их города. Глэм группы были разукрашены, красиво одеты, их песни были мелодичны. Как полная противоположность, «Metallica» на сцене одевались так же, как и в жизни, пили пиво, ругались. Их музыка была жесткой, а мелодии были ни на что не похожи. Это был прорыв. Не думаю, что кто-нибудь вспомнит те глэм-группы. Но «Metallica» сегодня знают все.
Другой пример – группа «Limp Bizkit». Фанаты рока и хип-хопа давно находятся в натянутых отношениях, эти стили слишком разные, чтобы их поклонники чувствовали себя комфортно в присутствии друг друга. «Limp Bizkit» доказали нам, что это не так. Какой смелостью надо обладать, чтобы объединить в себе два настолько различных направления? И не побояться, что тебя возненавидят и те, и другие. Ход смелый, но он сработал, и сегодня сотни групп копируют то, что сделали они.
Группа «Rammstein». Роботизированная музыка, зацикленные мелодии, вокал, скорее напоминающий речь. Каждый элемент в их музыке примитивен настолько, что является вызовом современному композиторскому искусству. Такой «аскетичный» подход стал визитной карточкой группы, наравне с безбашенными живыми выступлениями и необычным, сдержанным поведением на сцене.
На этом пока все. Надеюсь, путешествие в мир музыкальной индустрии было для вас интересным и познавательным. В следующий раз я расскажу о том, как музыка записывается.