рисунки микеланджело в хорошем качестве карандашом
Графика Микеланджело
Michelangelo Buonarroti (Litalian, 1475 — 1564) Drawings \ Графика Микеланджело
Микела́нджело Буонарро́ти — великий итальянский скульптор, художник, архитектор, поэт, мыслитель. Один из величайших мастеров эпохи Ренессанса.
Несомненно, гением делает талантливого человека непобедимая комбинация качеств – талант и трудолюбие. Эти качества в высшей степени были присущи Микеланджело. Отложив в сторону кисти и краски, он до конца жизни не расставался с сангиной (красноватым мелком) и итальянским карандашом.
Микеланджело Буонарроти
Study of a head, the Marchioness of Pescara, c.1525-8,
black chalk on paper,
British Museum, London.
В творческой деятельности Микеланджело рисунку было отведено особое место: по некоторым свидетельствам Микеланджело считал его «единственным искусством, частью которого являются все остальные искусства и из которого они проистекают».В немалой степени благодаря Микеланджело рисунок, бывший ранее вспомогательным средством, в период Высокого Возрождения становится самостоятельным жанром.
Michelangelo,
Count of Canossa (Study for Warrior’s Head), 1550-1580
«Зенобия» \ Zenobia, Queen of Palmyra, c.1520-25,
charcoal on paper,
Uffizi, Florence, Italy.
Образ легендарной царицы Пальмиры, потерпевшей поражение в соперничестве с Римом, привлекал внимание многих Ренессансных художников. Высокообразованная свободолюбивая красавица прекрасно владела греческим, латинским и древнегреческим языками. Организованный ею культурный кружок посещали греческие литераторы и философы. Своё восхищение прекрасным образом «царицы пустыни» Микеланджело выразил в подарочном рисунке «Зенобия».
Zenobia, Queen of Palmyra, c.1520-25
Head of Cleopatra, c.1533-4,
black chalk on paper,
Casa Buonarroti, Florence, Italy.
Иногда предназначение его подарочных рисунков было совершенно необычным – в качестве учебных пособий. Среди них – рисунок «Клеопатра», по которому друг Микеланджело Томмазо Кавальери учился рисовать.
Head of Cleopatra, c.1533-4(detail)
Микеланджело Буонарроти.
«Пьета» tudy for a Pieta, c.1540,
black chalk on paper, Isabella
Stewart Gardener Museum, Boston, MA, USA.
Микеланджело был глубоко верующим католиком. Всю жизнь его творчество было тесно связано с Церковью. Постепенно у художника сформировалось своё представление о христианстве, о чём свидетельствуют некоторые его рисунки. Дружба с поэтессой Витторией Колонна, которая интересовалась вопросами религии, обострила его религиозные чувства. В 1540-х годах появилась серия рисунков на религиозные сюжеты, многие из которых были посвящены Виттории.
Madonna and Child
1522-25
Black and red chalk, pen and brown ink on brownish paper, 541 x 396 mm
Casa Buonarroti, Florence
Portrait of Andrea Quartesi, c.1532
Madonna and Child with the Infant St John (recto)
c. 1532
Black chalk, 317 x 210 mm
Royal Collection, Windsor
Микеланджело был прекрасным рисовальщиком. Его мастерство было таким высоким, что стало эталоном для многих поколений художников. Интересуясь, прежде всего, формой и объёмом, он часто предпочитал изображать детали (торсы, руки, головы) и выбирал самые сложные ракурсы и жесты, чтобы передать борьбу материи и духа. Для создания пластической выпуклости форм наряду с контуром Микеланджело использовал перекрёстную штриховку.
Michelangelo Buonarroti
Estudios para la Sibila de Libia 1511-1512
Metropolitan Museum of Art
Head of a Woman (recto)
1540-43
Black chalk, 212 x 142 mm
Royal Collection, Windsor
«Идеальная голова»
Study of an ideal head, c.1516, r
ed chalk on paper,
Ashmolean Museum, Oxford, UK.
Study of an Inclined Head
1529-30
Red chalk, 355 x 270 mm
Casa Buonarroti, Florence
Гравюра с утерянной картины Микеланджело.
1530, 30×40 см.
Британский музей.
Копия 16 века с утерянной картины Микеланджело Леда и Лебедь 1530 года.
The fall of Phaethon
Madonna and Child with the Infant St John (recto)
1529-30
Red chalk, 290 x 204 mm
Muse du Louvre, Paris
The Holy Family with the Infant St John (verso)
1529-30
Red chalk, 290 x 204 mm
Muse du Louvre, Paris
St Anne with the Virgin and the Christ Child
c. 1505
Pen, 254 x 177 mm
Ashmolean Museum, Oxford
Madonna and Child with the Infant St John
c. 1533
Black chalk, 314 x 200 mm
British Museum, London
Bust of the Virgin in Profile, the Child Reclining on a Cushion
1503-04
Pen and brown ink, 282 x 210 mm
Staatliche Museen, Berlin
Michelangelo,
Satyr’s Head,
Louvre
Petrarch and Michelangelo.
Here are posts from Leah, Fabiola, Brian and Katie
Michelangelo
Detail from The Prophet Ezekie fresco — 1508-12,
Sistine Chapel
Творенье может пережить творца:
Творец уйдет, природой побежденный,
Однако образ, им запечатленный,
Веками будет согревать сердца.
Я тысячами душ живу в сердцах
Всех любящих, и, значит, я не прах,
И смертное меня не тронет тленье.
© Микеланджело
Michelangelo
Detail from The Prophet Ezekie fresco — 1508-12,
Sistine Chapel
Несомненно, гением делает талантливого человека непобедимая комбинация качеств – талант и трудолюбие. Эти качества в высшей степени были присущи Микеланджело. Отложив в сторону кисти и краски, он до конца жизни не расставался с сангиной (красноватым мелком) и итальянским карандашом.
Микеланджело Буонарроти
Study of a head, the Marchioness of Pescara, c.1525-8,
black chalk on paper,
British Museum, London.
В творческой деятельности Микеланджело рисунку было отведено особое место: по некоторым свидетельствам Микеланджело считал его «единственным искусством, частью которого являются все остальные искусства и из которого они проистекают».В немалой степени благодаря Микеланджело рисунок, бывший ранее вспомогательным средством, в период Высокого Возрождения становится самостоятельным жанром.
Michelangelo,
Count of Canossa (Study for Warrior’s Head), 1550-1580
«Зенобия» \ Zenobia, Queen of Palmyra, c.1520-25,
charcoal on paper,
Uffizi, Florence, Italy.
Образ легендарной царицы Пальмиры, потерпевшей поражение в соперничестве с Римом, привлекал внимание многих Ренессансных художников. Высокообразованная свободолюбивая красавица прекрасно владела греческим, латинским и древнегреческим языками. Организованный ею культурный кружок посещали греческие литераторы и философы. Своё восхищение прекрасным образом «царицы пустыни» Микеланджело выразил в подарочном рисунке «Зенобия».
Zenobia, Queen of Palmyra, c.1520-25
Head of Cleopatra, c.1533-4,
black chalk on paper,
Casa Buonarroti, Florence, Italy.
Иногда предназначение его подарочных рисунков было совершенно необычным – в качестве учебных пособий. Среди них – рисунок «Клеопатра», по которому друг Микеланджело Томмазо Кавальери учился рисовать.
Head of Cleopatra, c.1533-4(detail)
Микеланджело Буонарроти.
«Пьета» tudy for a Pieta, c.1540,
black chalk on paper, Isabella
Stewart Gardener Museum, Boston, MA, USA.
Микеланджело был глубоко верующим католиком. Всю жизнь его творчество было тесно связано с Церковью. Постепенно у художника сформировалось своё представление о христианстве, о чём свидетельствуют некоторые его рисунки. Дружба с поэтессой Витторией Колонна, которая интересовалась вопросами религии, обострила его религиозные чувства. В 1540-х годах появилась серия рисунков на религиозные сюжеты, многие из которых были посвящены Виттории.
Madonna and Child
1522-25
Black and red chalk, pen and brown ink on brownish paper, 541 x 396 mm
Casa Buonarroti, Florence
Portrait of Andrea Quartesi, c.1532
Madonna and Child with the Infant St John (recto)
c. 1532
Black chalk, 317 x 210 mm
Royal Collection, Windsor
Микеланджело был прекрасным рисовальщиком. Его мастерство было таким высоким, что стало эталоном для многих поколений художников. Интересуясь, прежде всего, формой и объёмом, он часто предпочитал изображать детали (торсы, руки, головы) и выбирал самые сложные ракурсы и жесты, чтобы передать борьбу материи и духа. Для создания пластической выпуклости форм наряду с контуром Микеланджело использовал перекрёстную штриховку.
Michelangelo Buonarroti
Estudios para la Sibila de Libia 1511-1512
Metropolitan Museum of Art
Head of a Woman (recto)
1540-43
Black chalk, 212 x 142 mm
Royal Collection, Windsor
«Идеальная голова»
Study of an ideal head, c.1516, r
ed chalk on paper,
Ashmolean Museum, Oxford, UK.
Study of an Inclined Head
1529-30
Red chalk, 355 x 270 mm
Casa Buonarroti, Florence
Гравюра с утерянной картины Микеланджело.
1530, 30×40 см.
Британский музей.
Копия 16 века с утерянной картины Микеланджело Леда и Лебедь 1530 года.
Минутка прекрасного. Микеланджело Буонарроти. Часть 3.
В этом посте речь пойдет о росписи Сикстинской капеллы. Это просто титанический труд. Это стоило мастеру здоровья. И это одно из самых узнаваемых и цитируемых художественных произведений в мире.
Сама работа, в истории, делится на два сложных этапа. Первый этап — это роспись потолка, 1508—1512 гг. Второй — роспись алтаря (Страшный суд), 1537—1541 гг.
Потолок Сикстинской капеллы.
Это известнейший цикл фресок Микеланджело, созданный в 1508—1512 годах и считающийся одним из признанных шедевров искусства Высокого Возрождения. Сложнейшую задачу, поставленную перед ним папой Юлием II мастер выполнил в рекордные сроки. Несмотря на то, что всегда называл себя именно скульптором, а не живописцем.
Большая папская часовня, построенная в Ватикане между 1477 и 1480 годами папой Сикстом IV, предназначалась для проведения важных мероприятий, в том числе конклавов. Стены Сикстинской капеллы были расписаны известнейшими живописцами конца XV века, в том числе Боттичелли, Гирландайо и Перуджино, левая сторона была отведена под историю Моисея, правая — сценам из жизни Христа, нижний уровень был украшен фресками, изображающими шпалеры с изображением папских регалий и гербов рода делла Ровере. Цилиндрический свод капеллы был декорирован по моде того времени под звёздное небо художником Пьерматтео д’Эмилией.
Весной 1506 года у Микеланджело с папой произошла крупная размолвка из-за грандиозного проекта папской гробницы, которому мастер отдал много сил и с которым он связывал большие ожидания. Юлий II отказался оплатить мрамор, приобретённый Микеланджело для статуй гробницы. Разъярённый художник покинул Рим.
Тем не менее Микеланджело взялся выполнить заказ, вероятно, желая показать, что не отступит перед трудностями и не побоится неизбежных сравнений с великими флорентийскими мастерами, рядом с которыми он сформировался как художник. Все указывает на то, что Микеланджело принял поручение не так уж неохотно, и позволяет предположить, что этот заказ папы он рассматривал как средство доказать своё мастерство.
Договор был заключён в Риме между мартом и апрелем 1508 года, и 10 мая того же года Микеланджело получил задаток.
Первые месяцы были заняты разработкой подготовительных рисунков и картонов, строительством лесов и подготовкой поверхностей под роспись, которой занялся мастер Пьеро Россели. 10 июня 1508 года работы в капелле уже начались.
Вопреки распространённому утверждению, согласно которому художник был вынужден работать лёжа, Микеланджело стоял на лесах, запрокинув голову далеко назад. Трудности работе добавляло освещение: дневной свет, проникавший через окна и настил, дополнялся неоднородным светом свечей и ламп. После длительной работы в таких условиях Микеланджело долгое время мог читать только держа текст высоко над головой. Несколько лет, проведённых под сводом капеллы, пагубно отразились на здоровье Микеланджело: он страдал артритом, сколиозом и инфекцией ушей, развившейся из-за краски, попадавшей на лицо.
Для усиления архитектурной выразительности Микеланджело разбил монотонную поверхность на компартименты с помощью ложных элементов (рёбер, карниза, пилястров), выполненных в технике тромплей, подчеркнув линию изгиба свода. Десять рёбер из травертина, пересекая потолок, делят его на зоны, где разворачивается главное повествование цикла, они создают «сетку», в которой каждому персонажу отведено определённое место.
Большинство фигур этой иллюзионистской архитектуры имеет, вероятно, лишь декоративное значение. Это пары «мраморных» путти на консолях, поддерживающих рёбра; каменные головы баранов в вершинах пазух свода; нагие фигуры в причудливых позах, размещённые между пазухами и рёбрами как живые подставки для книг; и большие путти, держащие таблички с именами пророков и сивилл.
Центр плафона Микеланджело отвёл истории Адама и Евы. В этом блоке изображений два больших фрагмента фланкируют малый. Первый эпизод из центральной группы — Сотворение Адама — одно из наиболее знаменитых изображений в истории мировой живописи. Микеланджело создал абсолютно новую иконографию, выбрав момент, когда Бог протягивает руку просыпающемуся Адаму, передавая ему жизнь.
Микеланджело был наследником традиций великих скульпторов и живописцев Флоренции XV века. Он проходил обучение сначала под руководством Доменико Гирландайо, известного двумя большими фресковыми циклами в капелле Сассетти и капелле Торнабуони, работавшего также и в Сикстинской капелле. В молодости Микеланджело испытал влияние двух самых известных флорентийских живописцев фрески раннего Ренессанса — Джотто и Мазаччо.
В январе 2007 года музеи Ватикана, где потолок Сикстинской капеллы является самым привлекательным экспонатом, посещало в среднем 10 000 человек в день. Ватикан, опасаясь, что недавно восстановленным фрескам будет нанесён ущерб, для уменьшения числа посетителей, объявил о намерении сократить часы посещения и увеличить входную плату.
Алтарь Сикстинской капеллы (Страшный суд).
Фреска Микеланджело на алтарной стене Сикстинской капеллы в Ватикане. 1537—1541 гг. Мастер вернулся в Сикстинскую капеллу двадцать пять лет спустя после того, как завершил роспись её потолка. Масштабная фреска занимает всю стену позади алтаря капеллы. Темой её стало второе пришествие Христа и апокалипсис. «Страшный суд» считается произведением, завершившим в искусстве эпоху Возрождения, которой сам Микеланджело отдал дань в росписи потолка и сводов Сикстинской капеллы, и открывшим новый период разочарования в философии антропоцентрического гуманизма.
Неизвестно, когда художник заключил официальный контракт, но в сентябре 1534 года он прибыл из Флоренции в Рим, чтобы заняться новым произведением и продолжить работу над гробницей Юлия II. Несколько дней спустя папа Климент VII умер. Микеланджело, считая, что его идея росписи алтаря потеряла актуальность, оставил папский двор и занялся другими проектами.
Однако новый папа, Павел III, не отказался от идеи украсить алтарную стену новой фреской. Микеланджело же, от которого наследники Юлия II требовали продолжения работ над его гробницей, пытался отодвинуть сроки начала работ над росписью.
По указанию папы фрески, выполненные в XV веке и начале XVI века, должны были быть скрыты новой росписью. Это было первое в истории капеллы «вмешательство» в комплекс изображений, тематически связанных между собой.
Ещё в процессе работы фреска вызывала с одной стороны безграничное и безусловное восхищение, с другой — жёсткую критику. Вскоре художник столкнулся с угрозой обвинения в ереси. «Страшный суд» стал причиной конфликта между кардиналом Каррафой и Микеланджело: художник обвинялся в безнравственности и непристойности, так как он изобразил обнажённые тела, не скрыв гениталии, в самой главной христианской церкви.
Нагота персонажей «Страшного суда» была скрыта 24 года спустя (когда Тридентский собор осудил наготу в религиозном искусстве) по распоряжению папы Павла IV. Микеланджело, узнав об этом, просил передать папе, что «удалить наготу легко. Пусть он мир приведёт в пристойный вид». Драпировки на фигурах писал художник Даниэле да Вольтерра, которого римляне наградили уничижительным прозвищем Il Braghettone («штанописец», «исподнишник»).
Еще один интересный эпизод связан с Варфоломеем, которого можно узнать по ножу в руке. Он держит содранную кожу, на которой, как считается, Микеланджело нарисовал свой автопортрет. Иногда это принимается за аллегорию искупления греха. Лицо же Варфоломея иногда считается портретом Пьетро Аретино, врага Микеланджело, оклеветавшего его, в отместку за то, что художник не принял его советов при работе над «Страшным судом».
Выдвигалась также гипотеза, получившая широкий общественный резонанс, но опровергаемая большинством исследователей, что Микеланджело изобразил себя на содранной коже, в знак того, что он не хотел работать над фреской и исполнял этот заказ под принуждением.
Однако, во время моего посещения Сикстинской капеллы, профессор, проводивший экскурсию, отверг высказанные ранее гипотезы по этому поводу и сказал, что это действительно автопортрет мастера, но таким образом он изобразил себя после завершения работ над росписью капеллы. Проще говоря — это ни что иное, как его душевное и физическое состоянии в тот период. Настолько он был изможден. В эту версию мне почему-то верится больше.
Познавательно) узнал много нового
Почему художники не всегда ставили подписи на своих картинах?
Смотрел средневековые картины и замучался от постоянных «неизвестных мастеров» и «мастер церквушки в Милане». И самое интересное, картины не подписаны или там стоит максимум М. (не Максим и не Михаил, а «мастер»). Почему так, задал себе я вопрос. И решил изучить вопрос.
Средневековые авторы действительно не ставили подписи, мол это тщеславие и гордыня, а Бог то все видит. Он все оценит. А людишки с этим их материальным миром… Не забывайте, в то время главным заказчиком для деятелей искусства была церковь, а живопись и скульптура были прикладным искусством, а не высоким.
Что характерно, древние греки и римляне вообще не гнушались ставить подписи. Купил ты горшок, а на нем обязательно инициалы/имя создателя. Реклама двигатель торговли, как говорил Аристотель.
Подпись гончара Никосфена на чернофигурной амфоре, ок. 530 — 520 гг до н.э., Лувр
Потом церковь отучила мастеров подписываться, но некоторые начали хитрить. Окей, подпись это для материального достатка, а вот свой автопортрет рядом с Христом же халявная благодать, не правда ли?
Левая створка «Триптиха Донна» Ханса Мемлинга, за колонной изображен предположительный автопортрет художника. Так сказать, зашел на огонек:
Следующий этап произошел в Италии, бурном котле культурных различий и традиций. Художники завистливо смотрели на подписи античных мастеров и решили – а чем мы хуже? А дальше уже подоспело Возрождение, художники приобрели совсем другой статус и ушли в светское искусство.
Часто художники изображали на холсте некий предмет, напрямую связанный с личностью художника. Например, Доссо Досси оставил намек на свою фамилию, поместив в углу картины кость в букве D – не случайно, ведь «оссо» по-итальянски это как раз кость:
Еще важным моментом стал прогресс общества в целом. Вот представьте себя в 11 веке. Кто про вас узнает вне вашего города? Будь ты хоть да Винчи, заказчиков вне своей зоны проживания найти очень сложно. Но с каждым следующим веком появлялось больше дорог, почта становилась надежнее, железная дорога и самолеты… Ну ладно, хотя бы просто путешествий и контактов стало больше, а значит надо завлекать чужестранцев. Своя подпись – чем не знак качества?
Разболтался, вот забавная история напоследок. Однажды Микеланджело гулял рядом со своей «Пьетой» и услышал, как прохожие восхищаются скульптурой, правда автором называют другого человека, миланца Гоббо. Ночью он пришел снова, захватив фонарь и резцы, и выбил: «Микеланджело Буонарроти флорентинец исполнил».
«Пьета» Микеланджело и его подпись:
На самом деле, тема благодатная, в истории искусства спрятано много интересных подписей. На какие только выдумки не шли художники)
Но это совсем другая история.
Необычные автопортреты художников
Многие слышали про фреску Микеланджело «Страшный суд». Микеланджело среди прочих святых показал Варфоломея, держащего шкуру грешника. И в этой шкуре, по мнению большинства искусствоведов, он изобразил себя!
Возникает вопрос – а зачем? Вот тут единения мнений как раз нет. Одни говорят про нежелание мастера заниматься этой фреской, ну и вот что вы со мной сделали, дорогие заказчики.
Другая версия подразумевает истинно христианское самобичевание Микеланджело – мол, получу за все грехи и в рай.
А еще говорят, что так он изобразил свое опустошение и тяжесть труда: по рассказам его учеников, автор изредка ел, только чтобы не умереть, и спал прямо в рабочей одежде – не хватало сил раздеться. Несколько раз, когда подручные стаскивали с него сапоги, они слезали вместе с кожей.
Возможно, тут зарыт конфликт – Варфоломей очень уж напоминает Пьетро Аретино, известного публициста своего времени и одного из главнейших критиков художника. Так его достал этот злодей, что шкуру спустил.
Но самый простой вариант объяснения – просто традиция так изображать святого и отсутствие натурщика под рукой. Хлоп – и изобразил себя куском кожи.
А мы теперь гадаем – синие занавески или тайный смысл?
Другой хитрец, живший в 19 и 20 веках, тоже оставил странный автопортрет с христианскими отсылочками. Дело было так. В 1889 году Поль Гоген тусил с друзьями в небольшой гостинице в Ле Пудальдю. Хозяин узнал про гостей-художников и упросил их украсить интерьер, ну и добавить изюминки. Гоген выбрал себе для творчества дубовый шкаф, написав на нем свой автопортрет.
Как правило Гоген просто изображал себя серьезным и задумчивым мастером, но тут разыгрался с символами. Самое очевидное – христианские отсылочки. Над головой у художника висит нимб (мол, он святой или выбран судьбой), но одновременно с этим в руках змея и яблочки рядом. Намек на грех и скорое падение? А уж зная биографию и проделки художника, все сомнения отпадают.
Снова крутанемся во времени назад, на очереди мой любимый Караваджо. Он несколько раз писал сюжет про Давида и Голиафа, но этот вариант самый интересный. Здесь все не так просто, как кажется.
Голова Голиафа, висящая в руке юноши, безусловно принадлежит самому Караваджо. А вот кому принадлежит другая, целая и невредимая головушка?
Караваджо – «Давид с головой Голиафа», 1610
Тут начинаются версии. Философская догадка предполагает, что это двойной автопортрет. Мол молодой Караваджо смотрит на себя старого и думы его сумрачны, посмотрите на его лицо. На мече в руке Давида красуются буквы H-AS OS, которые интерпретировали как сокращение латинского выражения «смирение убивает гордыню». Зная ухабистую биографию художника, невольно задумаешься о глубоком символизме.
На момент создания картины Караваджо был в уголовном розыске за убийство, и его собирались помиловать папские чиновники. Тут художник как бы и шедевр пишет, и показывает свое раскаянье. Правда, не судьба – по дороге к помилованию при малоизвестных обстоятельствах разгульный мастер умер.
Вот эти буквы на клинке:
Казалось бы, дело раскрыто? Не торопитесь, Ватсон, есть еще пара деталек. Время романтической версии.
Юноша на картине также смахивает на Чекко, подмастерье и предполагаемого любовника Караваджо. А помимо этого томного взгляда (теперь он стал томным, не правда ли?) меч уходит между ног молодого Давида, аля фаллический символ. Караваджо, этот умный пройдоха, обожал добавлять намеки и хитрые детали в свои работы.
В общем, Караваджо гений, снова переиграл нас. За это его и любим.
Рана во лбу есть (все каноны Библии соблюдены), а заодно и сходство с собой:
А завершить пост я бы хотел на спорте, а не отрезанной головой.
На момент написания автопортрета Дайнеке было 49 лет. Какая удивительная у него форма, молодец – скажите вы. Нуууу…
Автор, в молодости бывший поджарым боксером, немного приукрасил, в 49 лет такого пресса кубиками у него уже, увы, не было. Но сделал он не для саморекламы перед товарищами женщинами, а по идейным соображениям.
Дейнека, большой патриот и видный представитель соцреализма, хотел привносить в искусство красоту. Поэтому он часто немного приукрашивал советскую действительность. Даже если это касалось количества кубиков на животе.
Александр Дейнека – «Автопортрет», 1948
А чего он вышел в боксерский трусах? Ну, во-первых, раз уж изображаешь всю страну молодецкой и спортивной, изволь соответствовать: снимай деловой костюм и ну качать советские мышцы во славу Родины.
А во-вторых, это еще и ответ критикам – художник готов бороться с недоброжелателями. В 1948 году Дейнека потерял пост руководителя Московского института прикладного и декоративного искусства, его обвиняли в формализме и считали картины идейно несостоятельными. Короче, явно кому-то он насолил.
Но автопортрет художника показал – он будет бороться. Борьба удалась – художник не попал в ссылки, тюрьмы и расстрелы, не эмигрировал, а вполне успешно дожил партийным товарищем во всевозможных президиумах. И своим талантом вошел в историю русского искусства)
РОБОТ, КОТОРЫЙ ПЕЧАТАЕТ ФРЕСКИ
Робот с ласковым именем «Альберт» был разработан командой компании SprayPrinter Technologies Inc. специально для нанесения изображений любого размера на любые поверхности.
Альберт уже успел превратить в произведения искусства стены десятков зданий по всему миру. В портфолио его выдающихся достижений включена даже фреска, выполненная на такой экстремальной конструкции, как дымовая труба высотой более 150 метров.
Кирпич, дерево, винил, для Альберта нет никакой разницы. Он умеет покрывать новым изображением старые виниловые рекламные щиты без предварительного покрытия, легко наносит изображение на поверхность любого материала и любого размера и никогда не устает.
С помощью нашего робота мы печатаем фрески на стенах, используя аэрозольные краски. До сих пор изображения, появлявшиеся в городских пейзажах, наносились только вручную, иногда с использованием трафаретов. До настоящего времени никто и никогда не печатал крупномасштабные фрески с помощью баллончика с краской, хотя печать намного быстрее, дешевле и экологичнее по сравнению с покраской.
Это не значит, что печать может заменить живопись. Конечно нет! Но передать весь замысел и технику автора, не искажая оригинальное изображение в процессе его воспроизведения в огромных масштабах, способна лишь технология печати.
Как известно, городская среда играет огромную роль в определении того, что мы называем образом мышления. Это означает, что если наше окружение серо и уныло, то скорее всего и наши мысли будут такими же. А скучные мысли не приводят к новаторскому и счастливому мышлению.
Городское пространство принадлежит людям, которые им пользуются. Города должны быть чем-то большим, чем нагромождения зданий, чем маршруты из точек А в точки Б. Достаточно оглянуться по сторонам, поднять голову и мы увидим, что вокруг много пустых полотен — городских стен. Зачем оставлять их пустыми?
Положим краску туда, где её нет, и превратим унылые стены в полотна, а города в галереи!
Эти галереи могут состоять из художественных произведений различных направлений и стилей, от фотографий и работ графических дизайнеров, до произведений классической живописи. С помощью технологии, разработанной командой SprayPrinter Technologies Inc., художником-монументалистом может стать любой художник. Это новый тип печати, позволяющий масштабировать работу художника, многократно усиливая эффект от восприятия произведения искусства, и тем самым видоизменять облик городских районов.
Фрески, или как сейчас говорят муралы, оказывают сильное положительное воздействие на городскую среду. Они оживляют общественные и частные пространства, омолаживают строения и уличные пейзажи, одновременно повышая уровень субъективной оценки качества жизни и психологического самочувствия горожан, жизнеспособность местного бизнеса, и тем самым общественную стабильность.